学艺经心

李澎霖 | 文

我的创作与我的求学历程息息相关。附中时期，我开始关注“后印象主义”及其他现代画家及其作品。我崇拜

塞尚，被他笔下那坚实的水果打动；我热爱凡·高，被他笔下那灿烂的色彩感染；我喜欢高更，喜欢那平平

的但又带有深意的画面。记得自己曾经用了一个学期细细地品读了《毕加索传》，被他那传奇的一生深深

地吸引。

我把本科求学阶段分为三个时期，我称之为沉迷印象、追溯古典、回归现实。

第一个时期。由于海南独特的地理环境，我沉迷于追求印象主义的风格。我学着莫奈的样子，每天分不同

的时段去画大海，去记录天气和光色的变化；每天的中午和晚上，我势必会站在宿舍的阳台上，描绘当时

海口的地标性建筑——世纪大桥。至今我依然记得，从风和日丽的世纪大桥到台风来袭的世纪大桥，我画

了数个系列。同时，我也画了无数有关大学宿舍的小型创作草图和速写。印象主义的法则被我忠实地执行

着。

第二个时期。在老师的点拨下，我开始重新审视自己的画，从素描到速写，再到油画，开始从个人兴趣转

向深入的造型研究。我重新学习美术史，从文艺复兴到巴洛克，再到古典主义，痴迷于达·芬奇、拉斐尔那

神乎其技的素描，沉迷于卡拉瓦乔那独特的“暗绘风格”、伦勃朗的“自画像”和维米尔那精湛的“室内画”之

中。

第三个时期。面临毕业论文和毕业创作的选题与创作，我学着当年刘小东的样子，也开始审视自己的生

活。每年两次奔波在上学的路上，从东北到海南，从飞机到轮船，我所遇到的每一个行进在路上的人，每

一个为生活而奔波的人，他们鲜活的面孔深深打动着我，由此，我最初的创作雏形——“为生活奔波的人”系

列出现了。为了能凸显主题，在所谓的“当代艺术”的影响下，我舍弃了色彩，开始尝试单纯的黑白创作：画

面中没有往日阳光绚丽的风景，没有转瞬即逝的光影，只有黑与白记录下的为生活奔波的人。受到德加的

启发，我开始使用照片，喜欢照片式的构图、故事和画面效果，并开始描绘照片。

2007年夏天，我从海南毕业来到河北，从学生转变为教师，开始执教于大学讲堂，主要讲授素描、色彩、

风景写生、油画静物、油画肖像等课程。每一次课堂教学，都是我再次学习的过程；每一节课，我都有不

小的收获。对素描、色彩、写生、油画基础的不断认识和反思，促进着我绘画技巧的不断完善。新的环

境、新的朋友、新的同事，以及和画友、同事的谈艺切磋，帮我把眼界更进一步打开了，视野得以不断开

阔。“为生活奔波的人”系列继续延续着，而我的视角从奔波的人们开始扩大到全社会，在遴选素材的同时，

也进行了更加深入的思考。

2012年，我考入清华大学美术学院攻读硕士学位，再次从教师转换为学生。身份和视角的再次改变，促使

我的绘画从技术到观念开始了一次真正的飞跃。我最深刻的印象有三：一、导师王宏剑教授对艺术创作精

益求精的严谨态度；二、诸位名导师亲历亲为的认真教学；三、开放的教学环境，多种艺术理念的交汇。

每一位老师都会给你提供一份新的东西可供你选择，从艺术批评理论到艺术创作实践实验，每一天都丰富

着你的大脑和视觉。从此，我的画有了质的改变：画开始沉稳下来，在素描的认识上更加完整，在色彩上

开始形成系统，在写生中更加注意观看，在理论学习中更加注意思考，在创作上从素材的收集、草图色稿

的调整、实际上稿的坚决、深入刻画的磨炼到意境意蕴观念的呈现等，都更加清晰和成熟。

在如今这个信息爆炸的时代，各种观念、思潮、理念不断出现，艺术创作的手法已经无法数清，风格流派

更是无法巨细。在这种情况下，艺术作品，尤其是绘画作品，是否依然存在着统一的标准？如果有，那么

这个标准是什么？如果没有，那么结果又是什么？我觉得，在画的过程中，我们应该善于思考。如画面是

否蕴含着一定的感情色彩？它想表达什么？表述得是否够清楚？观者是否能理解？画面是否具有一定的技

术含量？构图是否经得起推敲？画面的表达手法是否符合画面的主旨？既然是画，那为什么不是照片？直

接挪用照片难道真的不行吗？何为艺术的加工？写生真的很重要吗？我们为什么要强调写生？我们的写生

是为了什么？我们的写生和大师的写生到底有何不同？难道写实就是准吗？一定要画准吗？什么又是准

呢？油画的本源到底是什么？我们凭什么说一张伦勃朗的自画像就是好，而我们自己的自画像就那么低级

幼稚？为什么从素描到油画、从具象到抽象、从写实到表现，我们的画与外国画家的画相比不耐看？我们

与大师到底有多大的差距？为什么一句“中国国情，本土化；中国油画，油画民族化”就能掩盖一切对欧洲油

画的追根溯源？我们到底要怎样的油画？到底什么样的油画才是好油画？为什么我们的那些名家作品在欧

洲大师原作面前却显得那么苍白无力？我们的油画，现在的油画，又应该怎么画？